1959 年5 月21 日，Tom Dixon 出生於北非的神祕小國突尼西亞（Tunisia）。是的，不要懷疑，他不是在英國出生的！不過，Tom Dixon 的雙親並非突尼西亞人，老爸是英國人，老媽是法國人，所以正確來說，他是個在異國出生的混血兒（當然，這不是重點）。只是，Tom Dixon 在突尼西亞生活時間並不算太長，約莫4 歲左右，全家就搬到了英國定居。
 
帥氣貝斯手為何改走設計路？

中學時期，Tom Dixon 就讀的是英國第一所綜合學校「Holland Park School」，可是，在求學期間他對設計並沒有多強烈的慾望，反而對音樂展現出無比的興趣，後來，甚至在 20 歲出頭組了一個以 Disco-Punk 音樂為主的樂團「Funkapolitan」（註：Disco-Punk 又稱「Dance-Punk」，流行於 70 年代，節奏強烈，適合當時流行的迪斯可舞蹈。右圖中間者即是 Tom Dixon），而他在樂團裡面擔任貝斯手。除了音樂之外，Tom Dixon 跟當時英國時髦年輕人一樣，也非常喜歡摩托車，然而，一次重大的機車事故，讓這個本來打算朝專業樂手之路邁進的男孩，被迫離開樂團，雖然黑羊並不知道真正的答案，但或許很多愛玩樂器的人應該了解箇中原因吧。

Tom Dixon 在 21 歲時擔任「Funkapolitan」樂團的貝斯手，音樂曲風以節奏明快強烈的 Disco-Punk 為主調，不僅受邀至英國各家 nightclub 表演，更在 1981 至 1982 年時，甚至發行過一張專輯與數張單曲 EP。上方兩圖是他們的專輯封面與宣傳形象照。看得出哪個是設計鬼才 Tom Dixon 嗎？(Photo Credits：Funkapolitan)

很多人說，Tom Dixon 之所以會變成工業設計大師級的人物，是因為他對電焊工藝很在行，這個其實並沒有錯，但是，黑羊想要藉此機會幫他澄清一下，他後來轉學電焊、甚至因此出師，不是為了要修復那台被他撞爛的機車，這應該只是穿鑿附會的流言。

依照 Tom Dixon 本人的說法，他在組樂團的後期便開始經營多家俱樂部（nightclubs，和現在俗稱的「夜店」很接近，不過，nightclub 比較屬於現場樂團演奏與跳舞的性質），很有經營頭腦的他，不希望自己的club 和別人一樣，只是讓不同的樂團輪唱，「到底該怎麼做，才能吸引更多人進來消費呢？」Tom Dixon 突然靈光乍現，決定在舞台上表演電焊實境秀！雖然以現今角度來看，的確相當危險，但對 80 年代的英國來說，火花、敲打、燈光效果，配合著舞台上樂手們聲嘶力竭的演奏，實在是在新奇也不過的表演了！也因此，包括 Tom Dixon 所經營的俱樂部、電焊演出項目，以及他本人在內，很快地就走紅於全英國。

Tom Dixon 早期的電焊作品。
左圖：1986 年，從華人煮飯用具發想，將碳鋼炒菜鍋、煎魚鍋平底鍋和炒菜勺，電焊為一體的《Kitchen》造型椅。
右圖：1988 年，以鍍鎳綱板焊接而成的《Metal》單椅。

而 Tom Dixon 在舞台上創作的電焊作品，也吸引不少人趨之若鶩地爭相收藏，像是國際時尚雜誌與英國皇室御用攝影師 Mario Testino（註1） 就表現出高度的興趣並且出價收購。沒隔多久，又有一位髮型設計師請他現場即興創作一面鏡子，就這樣，誤打誤撞地，Tom Dixon 正式轉行，開始了他的電焊創作與家具設計的生涯！

不要叫我「設計大師」！
 
Tom Dixon 的確很與眾不同，不僅因為他有著自我糾結矛盾的求學過程、曲折離奇的音樂生涯，就連設計理念也十分戲劇化，所以才被眾人尊稱為工藝大師，或是當代主義的奉行者，可是，Tom Dixon 的設計觀卻和你我的認知截然不同：「我希望打造出的作品是持久耐用，同時又帶著反流行的因子。」（I design for longevity, and I want something to be anti-fashion.）所以，他從來不在乎流行或趨勢這檔事，也因此，他常常想要洗去大家對他的錯誤認知，想高聲吶喊：「我不是大師！」

「Fresh Fat」系列可謂Tom Dixon 的實驗結晶。某次在參觀塑料回收廠時，Tom Dixon 對現場不停運轉的熱熔膠噴膠機興致濃厚，回到工作室後馬上訂製了一台並且自己動手改造，並且利用 PETG 這種極具彈用又相當強韌耐用的「熱收縮聚酯」，以手工的方式將其連結成不斷重複的結繩圈狀，透明如玻璃的質地經過光線照射後，帶給人沁涼的視覺享受。  
 

為什麼會這樣？一切必須先從他求學時光說起。文章開頭就曾提到，Tom Dixon 高中就讀的是 Holland Park School，這所學校很特別，它是一所打著「綜合教育」（comprehensive school）旗幟的大型學府，很多從這裡畢業的校友，後來在各領域都有相當傑出的表現。但是，Tom Dixon 卻曾經這樣說道：「I've got an ambivalent relationship with it.」意思就是，他對這間學校以及師長所賦予教育，有著愛恨情愁、錯綜複雜的情感！
 
Tom Dixon 認為，這個在 70 年代的實驗性教育可以說是失敗的，因為綜合學校接納各種龍蛇雜處的學生，卻未依照每個人的長才或興趣分門別類。「在我記憶中，我當時根本連完整的英文文法都沒學到，唯一不錯的是課程種類超級豐富，尤其是美術，我在陶藝和寫生課就學到非常多。」Tom Dixon 回想；而他還開玩笑地說，那時候，根本沒人相信他在A 級的陶藝課程得到 A- 的成績，可是那卻是他中學時期，唯一檢定合格的學科。
 
Tom Dixon 從來沒有進入正規的設計學校研習設計，現在的成就完全是自學而來的，包括早期在俱樂部的電焊創作；然而，他萬萬沒想到的是，某次在 Nell Gwynne 俱樂部的表演，卻誤打誤撞闖出了名號，進而開始了他的家具設計之路。

挑戰設計的各種極限
 
可是，嚴格說起來，Tom Dixon 人生中最大的轉折點，應該是在 1987年為義大利知名家具製造商 Cappellini 設計的《S Chair》（如下圖），這張椅子推出之後，便吸引廣大媒體與眾家知名博物館的關注，《S Chair》目前也被 MoMA 等美術館收藏中。

早期的《S Chair》其實是採用柳條或強韌的溼地植物莖桿，以純手工工法編織而成的（如右圖），後來才又衍伸出金屬烤漆、動物紋等其他樣式。今年也推出了豹紋限量版。(Photo Credit：Tom Dixon、Cappellini)

1992 年，Tom Dixon 再度為 Cappellini 設計出令人目瞪口呆的造型椅《Pylon》，顧名思義，就是將鋼絲以纖維網狀的方式構築多個三角形骨架，再堆疊成椅子的形貌。別看它弱不禁風，看看右圖 Tom Dixon 坐在上面如此自在，就知道《Pylon》的結構相當穩固牢靠，據說還很省材料費呢。(Photo Credit：Tom Dixon、Cappellini)

對很多藝術家或設計師而言，創作能被 MoMA 相中展出、甚至成為館內的永久收藏，是件很光榮的事情，不過當 Tom Dixon 收到來自 MoMA 策展人的邀請函時，他並沒有驚奇的感覺，只是想說：「啊！他的作品應該跟其他椅子一樣吧，也沒有比較厲害，不需要太大驚小怪。」直到 2009 年，Tom Dixon 為 Audi A8 車款的推出，特別在邁阿密設計博覽會（Design Miami）打造了「Light Light」LED 燈具裝置藝術展，看到設計大為驚豔的 Audi，便告訴他，總公司願意投入一切的人力、物力、財力，讓「Light Light」展覽有機會在MoMA 再次展出後，Tom Dixon 才驚覺，作品被MoMA 賞識是多麼地難能可貴。

2009 年，Tom Dixon 為 Audi 在邁阿密設計博覽會（Design Miami）打造的「Light Light」裝置藝術展，以 100 多盞多面體鏤空鋁板吊燈《Etch Light》（如上排第二張圖）、130 個銀色氦氣氣球高掛天花板，不僅營造出多層次的絢爛光影，吊燈內更嵌入當時先進的 LED 燈泡，和 Audi 新推出的 A8 車頭燈彼此輝映。(Photo Credit：Tom Dixon、Audi)

後來，Tom Dixon 陸續為不少知名設計品牌創作，像是大型連鎖家具零售商 Habita、芬蘭家具品牌 Artek、義大利知名家具大廠Magis 等等，到了 2002 年才正式創立同名自有品牌「Tom Dixon」。不過，漸漸地，全球的目光焦點開始轉移到 Tom Dixon 的燈具設計上（其實他仍然有陸續推出家具與家飾的作品，只不過燈具的創作遠遠紅過其他設計），不管是吊燈、立燈或桌燈，每一件作品總是擁有自己鮮明的個性，有的可能是在技術或材質上的突破，有的則是擁有深刻的文化意涵，它們擺脫以往只能當作空間配角的苦情，慢慢躍上第一線、成為 Tom Dixon 品牌的「當家花旦」。

2004 年出品的《Mirror Ball》吊燈是一款充滿未來科技感的燈具，其靈感來源正是來自於太空人的頭罩。Tom Dixon 先以聚碳酸酯製造出球體，接著再採取特殊工法，在表層鍍上細薄的金屬，銀亮如鏡面的燈罩倒映著四周的景觀，讓整體空間彷彿無限延伸外，光線也在球體內部不斷反射，產生有趣的光影效果。(Photo Credit：Tom Dixon、BOLON)

 
長期以來，Tom Dixon 也一直思索著「如何藉由工業設計將文化與傳統工藝結合」，而他本身也非常喜歡藉由旅行，來了解不同民族與國家的特色，某次的印度之旅又再一次地激發他的創作靈感。當時，Tom Dixon 看見印度人頭上頂著乘水容器，這般的文化衝擊讓他印象深刻，進而在 2006 年邀請北印度莫拉達巴德（Moradabad ）的工匠師傅，以純手工鑄造方式，將傳統的裝水器皿和銅製平底鍋的造型，轉化為一盞盞各有千秋的《Beat Light》吊燈。(Photo Credit：Tom Dixon)

追求永續性，反時尚流行

Tom Dixon 非常瞭解材料的特性與製造的流程，所以他的設計總是充滿濃濃的工業風，加上恰到好處的比例，整體美感可說是經年累月、以時間和心血證明的。最重要的是，由於 Tom Dixon 非常不喜歡盲目地跟隨潮流，因此每一件作品都直接反映出創作概念、材料或是工法，而且沒有多餘的裝飾和一大堆的附加功能，更省卻任何不必要的設計語彙，只剩下 Tom Dixon 最想要傳達的理念！

1995 年，Tom Dixon 為義大利燈具品牌 Foscarini 設計的《Lightweigh》吊燈，擺脫傳統水晶吊燈的笨重感，利用電鍍金屬架構出未來感十足的幾何圖形，表現出無重力的漂浮感，並以口吹玻璃燈座取代無趣的水晶燈，極具戲劇張力。(Photo Credit：Tom Dixon、Foscarini)

此外，Tom Dixon 之所以致力追求「設計的永續性」，就在於他深刻體會到，每個設計都可能隨著不同的背景，被擺放在不同的時空裡。因此，他想創造出適用於各種空間、經得起歲月考驗的作品，這也正是他堅持「反時尚／流行」（anti-fashion）的原因。並不是說時尚不好，Tom Dixon 只是想要強調，流行之物太具時間敏感性，很快地，就會被淹沒在時代的洪流中，而這樣很容易造成空間擺設的衝突與矛盾。

2012 年，Tom Dixon 首度挑戰以陶器製造燈具，而且上釉方式還是一度失傳、目前只能在伊斯蘭地區學習到的「虹彩」（luster-painted）。為了呈現出馬雅文化的金字塔成廟、古代法碼等古文明象徵物，Tom Dixon 特別加入礦石和貴金屬，並且經過上千次測試後，才調配出目前的釉彩配方。前後共耗費英國百年陶瓷工廠師傅 10 至 14 週手工打造，方可完成有如孔雀羽毛般斑斕色彩的吊燈《Lustre Light》。(Photo Credits：Tom Dixon)

在寫這篇文章的同時，黑羊重新體會到很多事，有些設計師（像 Marcel Wanders）堅持創造一個有特質的空間，讓使用者經過選則、進一步破壞後，再重新利用空間元素；有些設計師（像 Tom Dixon）則是尊重空間裡的每一個物件，可以移除的他就挪去，不能移除的他試著去保留、尊重，接著運用自己的專長，重新塑造可以使該空間和諧並且產生共鳴的元件出來。但不論是哪一種設計師，都令人極為欽佩！

最後，輕鬆一下，讓我們來聽聽 Tom Dixon 與其樂團「Funkapolitan」合奏的〈As the time goes by〉。(Video Credit：neofunkyman1)

編輯/黃伊筠