看見台灣的視覺語言正在發生！《C-GRAPHIC/TAIPEI》15 組平面設計師、一個時代的 15 個切面
《C-GRAPHIC/TAIPEI》從京都回到台北，集結 15 組設計師作品。策展人毛灼然與後藤哲也，透過出版、字體、品牌識別及影像等多元創作，重新觀看台北的設計風景，探索當代台灣持續生長的視覺語言。
一張精彩的展覽海報、一款具有辨識度的書籍設計，或是一組令人印象深刻的品牌視覺，我們或許早已熟悉許多台灣平面設計師的作品，也欣賞其中各自鮮明的創作特色。然而，當這些作品被放在一起，作為一座城市的設計風景重新觀看，是否還能從中發現一些過去未曾留意的事物？
2025 年於日本京都 ddd gallery 登場的《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020 年代台北平面設計展》，今年由 NOKE 忠泰樂生活、明日製作所與公益財團法人 DNP 文化振興財團合作移師台北，參展陣容也從 10 組擴充至 15 組設計師與團隊。
《C-GRAPHIC/TAIPEI》於 NOKE 忠泰樂生活 3F Uncanny 展出。（photo credit：明日製作所）
以不同色彩劃分設計師的展示空間，呈現當代平面設計在圖像、色彩及視覺結構上的多種表達方式。（photo credit：明日製作所）
這場由香港策展人毛灼然（Javin Mo）與日本策展人後藤哲也（Tetsuya Goto）共同策劃的展覽，特別之處不僅在於從京都回到台北，更在於兩位策展人從外部觀察台灣設計的視角。透過與兩位策展人及在日生活參展設計師王怡琴的訪談，我們試著從不同的文化經驗出發，重新觀看這些熟悉的創作，以及當代台灣平面設計正在發展的多種視覺語言。
《C-GRAPHIC/TAIPEI》的起點，可追溯至後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》。書名中的「C」代表 Chinese，從漢字文化圈出發，記錄當代華語平面設計的創作樣貌。當出版計畫進一步發展為展覽，策展團隊將視野聚焦於使用繁體中文的城市「台北」，並以 1980 至 1990 年代出生的設計世代為主要觀察對象。
日本設計師、編輯與共同策展人後藤哲也（Tetsuya Goto），從《C-GRAPHIC INDEX》的出版延伸至展覽策劃，希望透過不同創作者的作品，呈現當代台北平面設計與城市文化之間的關係。（photo credit：明日製作所）
後藤哲也認識台灣平面設計的起點，可以追溯至聶永真、王志弘等較早一代設計師，他們在出版、文字與文化領域的實踐，讓他看見設計與社會文化之間的連結。毛灼然則持續關注下一個世代，觀察到台灣年輕設計師在字體、海報、品牌識別與動態影像等領域，展現出更加多元、不受拘束的表達方式。
這些觀察直接反映在展覽主視覺之中。以繁體中文「台北」兩字為核心的幾何構成，最初由後藤哲也提出，毛灼然則從街道招牌、夜市、廟宇及煙火等城市景象汲取靈感，重新組合出鮮明而強烈的配色，並將色彩延伸至不同展區的牆面。毛灼然回憶，第一稿只是深色調的「台北」二字，他希望顏色能更多元，也想起過年時廟宇施放的煙火：「所以你會看到『北』字上面有兩顆煙火。」
香港平面設計師、共同策展人毛灼然（Javin Mo），從台北的街道招牌、夜市及廟宇文化汲取色彩靈感，與後藤哲也共同發展《C-GRAPHIC/TAIPEI》的展覽主視覺。（photo credit：明日製作所）
後藤哲也也對台北密集的招牌與狹窄巷弄印象深刻，希望展覽空間能保有這種豐富、緊密的城市感受。這些對台灣人而言並不陌生的視覺元素，經過兩位策展人的重新選取與組合，成為展覽的識別與空間語言，也讓人從熟悉的城市風景中，看見另一種觀看台北的方式。
從京都的 10 組擴充至台北的 15 組，不只是規模上的增加。後藤哲也在採訪中提到，ddd gallery 過去多以個展為主，參展者一多，焦點容易分散；但這次的主角不同，「這個主題是關於城市的。我們當然關心設計師，但焦點是城市。」要呈現一座城市的設計風景，更多創作者的加入，反而讓觀察更加完整。
卵形設計師葉忠宜的展區，集結字體、出版及文化活動視覺等不同作品，呈現他如何透過文字編排、圖像與印刷形式，發展鮮明的視覺表達。（photo credit：明日製作所）
這片風景，至少可以從三個方向閱讀。其一是文化記憶：葉忠宜近期為《1996序曲》李登輝紀念音樂會創作的視覺設計，透過蒲公英與帶有歷史感的圖像構成，重新詮釋與民主、記憶相關的文化意象。其二是設計與藝術的邊界：視覺藝術家謝昕妮（Sydney Sie）結合攝影、平面設計與動態影像，透過錯視、解構式構圖及虛實交錯的敘事方法，讓創作游移於設計與當代藝術之間。
視覺藝術家謝昕妮（Sydney Sie）的展區，透過攝影、平面設計與動態影像等作品，呈現她擅長的錯視構圖、鮮明色彩，以及遊走於設計與當代藝術之間的創作語彙。（photo credit：明日製作所）
其三是印刷媒介的實驗。O.OO™ 長期結合 RISOGRAPH 印刷研究與圖像設計，從色彩疊合與印刷特性發展創作方法；洪彰聯（Elf-19）則以繁體中文字體排印結合印刷工藝，透過紙張、油墨與後加工，讓平面作品展現豐富的材料質感與視覺張力。
O.OO™ 展區透過大型懸掛海報、實驗性字體與印刷圖像，呈現工作室對文字結構、視覺編排及印刷媒介的探索，也讓平面設計從紙面延伸至空間展示。（photo credit：明日製作所）
洪彰聯（Elf-19）的展區呈現海報、出版及印刷實驗作品，透過字體排印、色彩疊合與不同印刷加工方式，探索紙張與平面圖像之間的視覺層次和材料質感。（photo credit：明日製作所）
此外，宋政傑擅長字體與動態設計，連靜態海報看起來都彷彿會動；楊喬然對形狀格外敏感，從五金行、生活用品到花園擷取造型，去年還為 ddd gallery 製作了一張地毯，從京都帶回台北再次展出；楊維綸（Echo Yang）同時經營平面與動態影像，也曾以魏如萱專輯《HAVE A NICE :DAY！》入圍第 33 屆金曲獎最佳裝幀設計獎。
這些方向彼此不同，卻並置在同一個空間裡，共同構成一座城市的設計風景。
宋政傑的作品涵蓋文化活動主視覺、海報及動態設計，以富有節奏感的文字構成與圖像編排，讓靜態視覺也帶有彷彿正在流動的動感。（photo credit：明日製作所）
楊喬然的展區呈現海報、圖像創作及地毯等不同媒介作品，透過形狀、色彩與抽象構圖的組合，探索圖像與空間之間的關係，也讓個人的視覺語彙從平面延伸至立體展示。（photo credit：明日製作所）
楊維綸（Echo Yang）的展區呈現文化活動及出版設計等作品，從《橋洞》相關視覺到不同的文字、圖像編排，展現她在平面設計與文化創作之間的實踐。（photo credit：明日製作所）
台北站新加入的 OU Design Lab 設計師王怡琴，提供了另一個理解台灣視覺語言的角度。她在台灣完成高中學業後赴日學習設計，畢業後留在大阪工作，曾參與京都市京瓷美術館的識別設計與近鐵百貨的包裝紙袋設計，2023年成立自己的工作室。設計職涯幾乎都在日本展開的她，受邀參與這場以台北為主題的展覽，也重新思考起自己與台灣設計的關係。
受日本設計文化影響，她的商業作品重視細節、節制與留白；而在品牌設計之外，她也持續透過繪畫、絹版印刷與自主創作，探索更自由的視覺表現，展現出不同於商業設計的另一面。她回憶，調配絹印色彩時，指導她的日本版畫家常驚訝於她選的顏色：「哇，你的顏色好亮喔，好跳喔。」起初她並不覺得有什麼特別，直到相似的反應反覆出現，才意識到自己的用色在日本人眼中並不典型。「即使長年在日本生活，受到不同文化的影響，成長於台灣的記憶與感受，仍然深深留在我心裡，也會不自覺地流露在創作之中。」
長年在日本生活與工作的設計師王怡琴（OU Design Lab），展出過往參與的品牌識別、包裝設計及個人實驗性創作，呈現她在日本設計工作經驗與自身文化背景之間，逐漸發展出的視覺語彙。（photo credit：明日製作所）
這樣的身分感受，也延伸至她以漢字為題的實驗作品。她將台灣使用的繁體字與日本漢字相互疊合，再以色彩、紙張與透明層次，呈現筆畫之間的重合與差異。「兩種文字放在一起，各自的特徵並不會因此消失，而是在相互交疊中產生新的關係。」她說，「那些不同的筆畫與邊角，好像也反映了我自己的樣子。」
除了商業設計，王怡琴也持續透過絹版印刷進行個人創作，親自繪製圖案、調配色彩，並將花卉圖騰延伸至與日本產品設計師合作的手工包款。鮮明的色彩選擇，也讓她重新察覺自身創作中的台灣文化經驗。（photo credit：明日製作所）
如果將《C-GRAPHIC/TAIPEI》視為一份關於當代台灣平面設計的觀察紀錄，那麼再過五年、十年，我們又可能看見什麼變化？
後藤哲也認為，在網路與社群媒體的影響下，世界各地的視覺文化越來越接近，我們可能在東京、首爾、倫敦或台北，看見形式相似的設計作品；但語言、文字結構與閱讀習慣，仍是理解不同文化的重要線索。「怎麼說、怎麼寫，當然會影響平面設計。」他以台灣、日本及香港仍保留的直排閱讀習慣為例，說明書寫系統如何影響文字編排與視覺構成。
在日本生活二十多年的王怡琴，也從語言觀察到相似的事。她說，中文每個字都是漢字，一句話會把格子填滿；日文中漢字、平假名與片假名的組合，形成了豐富的疏密視覺變化與閱讀節奏。她一直在想，這樣的文字結構所形成的空間也深深影響著日本的生活習慣與設計思想中的『間』與留白。
HOUTH 的展區呈現品牌識別、海報及字體設計等作品，透過文字編排、圖像構成與鮮明的色彩運用，探索平面設計在文化藝術與品牌視覺中的不同表現方式。（photo credit：明日製作所）
毛灼然則從台灣設計生態看見另一種可能。他觀察到，相較於較早一代設計師鮮明的個人風格，當代年輕設計師更自在地探索不同的表現形式。「我最感受到現在台灣的設計是沒有任何的包袱。」他說。在他眼中，這種包容性與實驗精神，正是當代台灣平面設計值得關注的特質。
王怡琴也觀察到，日本的印刷要求精準，打樣、確認反覆多次，成本也高，許多想法在討論階段就被刪去；台灣則相對有彈性。「他們的常規，對我們來說已經是天花板。」她說，「但台灣即使失敗了，我也會覺得很棒，那就是一個嘗試的可能性。」
從文字、創作態度到製作環境，這些觀察都在作品的視覺形式之外，找到了理解台灣平面設計的線索。
展場空間（photo credit：明日製作所）
除了 15 組設計師與團隊的作品，《C-GRAPHIC/TAIPEI》也展出近 40 冊由 DNP 文化振興財團出版的《gggBooks》世界平面設計系列，讓台灣當代創作與國際平面設計的發展脈絡，在同一空間中建立對話。
從《C-GRAPHIC INDEX》的出版、京都 ddd gallery 的首次展出，到如今回到台北，這場展覽經歷了一次有趣的觀看轉換：原本為了向日本觀眾介紹台灣設計而整理的作品，如今回到它們所屬的文化環境。就像王怡琴的經驗，文化未必以明確可辨的形式出現在作品裡，有時藏在長期累積的語言、生活習慣與不經意的選擇之中，直到與不同文化背景的人相遇，才被重新看見。
展覽特別呈現近40冊由 DNP 文化振興財團出版的《gggBooks》世界平面設計系列，透過日本與國際設計師的作品，讓觀眾在認識當代台灣設計的同時，也能延伸探索不同文化背景的平面設計發展。（photo credit：明日製作所）
特別設置「設計小賣所」，集結參展設計師的出版品、海報及各式設計商品，讓觀眾除了在展場欣賞作品，也能透過書籍與日常物件，接觸不同創作者的設計實踐。（photo credit：明日製作所）
《C-GRAPHIC/TAIPEI》最有意思的地方，或許正是讓我們透過他人的觀看，重新發現那些原本就覺得精彩的作品之間，還存在著哪些未曾察覺的連結。
《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》
展期｜2026年10月8日－11月9日
時間｜週日至週四 11:00–21:30；週五至週六 11:00–22:00
地點｜NOKE 忠泰樂生活 3F Uncanny（台北市中山區樂群三路200號）
票價｜NT$100，另有 NOKE 會員、指定平日學生等免費入場資格
策展與設計｜毛灼然（Javin Mo）、後藤哲也（Tetsuya Goto）
共同主辦｜NOKE 忠泰樂生活、明日製作所
合作夥伴｜公益財團法人 DNP 文化振興財團
2025 年於日本京都 ddd gallery 登場的《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020 年代台北平面設計展》，今年由 NOKE 忠泰樂生活、明日製作所與公益財團法人 DNP 文化振興財團合作移師台北，參展陣容也從 10 組擴充至 15 組設計師與團隊。
這場由香港策展人毛灼然（Javin Mo）與日本策展人後藤哲也（Tetsuya Goto）共同策劃的展覽，特別之處不僅在於從京都回到台北，更在於兩位策展人從外部觀察台灣設計的視角。透過與兩位策展人及在日生活參展設計師王怡琴的訪談，我們試著從不同的文化經驗出發，重新觀看這些熟悉的創作，以及當代台灣平面設計正在發展的多種視覺語言。
從漢字文化圈到台北：兩位海外策展人眼中的設計風景
《C-GRAPHIC/TAIPEI》的起點，可追溯至後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》。書名中的「C」代表 Chinese，從漢字文化圈出發，記錄當代華語平面設計的創作樣貌。當出版計畫進一步發展為展覽，策展團隊將視野聚焦於使用繁體中文的城市「台北」，並以 1980 至 1990 年代出生的設計世代為主要觀察對象。
後藤哲也認識台灣平面設計的起點，可以追溯至聶永真、王志弘等較早一代設計師，他們在出版、文字與文化領域的實踐，讓他看見設計與社會文化之間的連結。毛灼然則持續關注下一個世代，觀察到台灣年輕設計師在字體、海報、品牌識別與動態影像等領域，展現出更加多元、不受拘束的表達方式。
這些觀察直接反映在展覽主視覺之中。以繁體中文「台北」兩字為核心的幾何構成，最初由後藤哲也提出，毛灼然則從街道招牌、夜市、廟宇及煙火等城市景象汲取靈感，重新組合出鮮明而強烈的配色，並將色彩延伸至不同展區的牆面。毛灼然回憶，第一稿只是深色調的「台北」二字，他希望顏色能更多元，也想起過年時廟宇施放的煙火：「所以你會看到『北』字上面有兩顆煙火。」
後藤哲也也對台北密集的招牌與狹窄巷弄印象深刻，希望展覽空間能保有這種豐富、緊密的城市感受。這些對台灣人而言並不陌生的視覺元素，經過兩位策展人的重新選取與組合，成為展覽的識別與空間語言，也讓人從熟悉的城市風景中，看見另一種觀看台北的方式。
15 組設計師、各自不同的視覺語言，描繪一座城市的創作活力
從京都的 10 組擴充至台北的 15 組，不只是規模上的增加。後藤哲也在採訪中提到，ddd gallery 過去多以個展為主，參展者一多，焦點容易分散；但這次的主角不同，「這個主題是關於城市的。我們當然關心設計師，但焦點是城市。」要呈現一座城市的設計風景，更多創作者的加入，反而讓觀察更加完整。
這片風景，至少可以從三個方向閱讀。其一是文化記憶：葉忠宜近期為《1996序曲》李登輝紀念音樂會創作的視覺設計，透過蒲公英與帶有歷史感的圖像構成，重新詮釋與民主、記憶相關的文化意象。其二是設計與藝術的邊界：視覺藝術家謝昕妮（Sydney Sie）結合攝影、平面設計與動態影像，透過錯視、解構式構圖及虛實交錯的敘事方法，讓創作游移於設計與當代藝術之間。
其三是印刷媒介的實驗。O.OO™ 長期結合 RISOGRAPH 印刷研究與圖像設計，從色彩疊合與印刷特性發展創作方法；洪彰聯（Elf-19）則以繁體中文字體排印結合印刷工藝，透過紙張、油墨與後加工，讓平面作品展現豐富的材料質感與視覺張力。
此外，宋政傑擅長字體與動態設計，連靜態海報看起來都彷彿會動；楊喬然對形狀格外敏感，從五金行、生活用品到花園擷取造型，去年還為 ddd gallery 製作了一張地毯，從京都帶回台北再次展出；楊維綸（Echo Yang）同時經營平面與動態影像，也曾以魏如萱專輯《HAVE A NICE :DAY！》入圍第 33 屆金曲獎最佳裝幀設計獎。
這些方向彼此不同，卻並置在同一個空間裡，共同構成一座城市的設計風景。
在日本生活二十多年，王怡琴重新發現創作裡的「台灣DNA」
台北站新加入的 OU Design Lab 設計師王怡琴，提供了另一個理解台灣視覺語言的角度。她在台灣完成高中學業後赴日學習設計，畢業後留在大阪工作，曾參與京都市京瓷美術館的識別設計與近鐵百貨的包裝紙袋設計，2023年成立自己的工作室。設計職涯幾乎都在日本展開的她，受邀參與這場以台北為主題的展覽，也重新思考起自己與台灣設計的關係。
受日本設計文化影響，她的商業作品重視細節、節制與留白；而在品牌設計之外，她也持續透過繪畫、絹版印刷與自主創作，探索更自由的視覺表現，展現出不同於商業設計的另一面。她回憶，調配絹印色彩時，指導她的日本版畫家常驚訝於她選的顏色：「哇，你的顏色好亮喔，好跳喔。」起初她並不覺得有什麼特別，直到相似的反應反覆出現，才意識到自己的用色在日本人眼中並不典型。「即使長年在日本生活，受到不同文化的影響，成長於台灣的記憶與感受，仍然深深留在我心裡，也會不自覺地流露在創作之中。」
這樣的身分感受，也延伸至她以漢字為題的實驗作品。她將台灣使用的繁體字與日本漢字相互疊合，再以色彩、紙張與透明層次，呈現筆畫之間的重合與差異。「兩種文字放在一起，各自的特徵並不會因此消失，而是在相互交疊中產生新的關係。」她說，「那些不同的筆畫與邊角，好像也反映了我自己的樣子。」
當世界的設計越來越相似，語言如何留下文化的痕跡？
如果將《C-GRAPHIC/TAIPEI》視為一份關於當代台灣平面設計的觀察紀錄，那麼再過五年、十年，我們又可能看見什麼變化？
後藤哲也認為，在網路與社群媒體的影響下，世界各地的視覺文化越來越接近，我們可能在東京、首爾、倫敦或台北，看見形式相似的設計作品；但語言、文字結構與閱讀習慣，仍是理解不同文化的重要線索。「怎麼說、怎麼寫，當然會影響平面設計。」他以台灣、日本及香港仍保留的直排閱讀習慣為例，說明書寫系統如何影響文字編排與視覺構成。
在日本生活二十多年的王怡琴，也從語言觀察到相似的事。她說，中文每個字都是漢字，一句話會把格子填滿；日文中漢字、平假名與片假名的組合，形成了豐富的疏密視覺變化與閱讀節奏。她一直在想，這樣的文字結構所形成的空間也深深影響著日本的生活習慣與設計思想中的『間』與留白。
毛灼然則從台灣設計生態看見另一種可能。他觀察到，相較於較早一代設計師鮮明的個人風格，當代年輕設計師更自在地探索不同的表現形式。「我最感受到現在台灣的設計是沒有任何的包袱。」他說。在他眼中，這種包容性與實驗精神，正是當代台灣平面設計值得關注的特質。
王怡琴也觀察到，日本的印刷要求精準，打樣、確認反覆多次，成本也高，許多想法在討論階段就被刪去；台灣則相對有彈性。「他們的常規，對我們來說已經是天花板。」她說，「但台灣即使失敗了，我也會覺得很棒，那就是一個嘗試的可能性。」
從文字、創作態度到製作環境，這些觀察都在作品的視覺形式之外，找到了理解台灣平面設計的線索。
從京都回到台北，重新觀看正在生長的視覺語言
除了 15 組設計師與團隊的作品，《C-GRAPHIC/TAIPEI》也展出近 40 冊由 DNP 文化振興財團出版的《gggBooks》世界平面設計系列，讓台灣當代創作與國際平面設計的發展脈絡，在同一空間中建立對話。
從《C-GRAPHIC INDEX》的出版、京都 ddd gallery 的首次展出，到如今回到台北，這場展覽經歷了一次有趣的觀看轉換：原本為了向日本觀眾介紹台灣設計而整理的作品，如今回到它們所屬的文化環境。就像王怡琴的經驗，文化未必以明確可辨的形式出現在作品裡，有時藏在長期累積的語言、生活習慣與不經意的選擇之中，直到與不同文化背景的人相遇，才被重新看見。
《C-GRAPHIC/TAIPEI》最有意思的地方，或許正是讓我們透過他人的觀看，重新發現那些原本就覺得精彩的作品之間，還存在著哪些未曾察覺的連結。
《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》
展期｜2026年10月8日－11月9日
時間｜週日至週四 11:00–21:30；週五至週六 11:00–22:00
地點｜NOKE 忠泰樂生活 3F Uncanny（台北市中山區樂群三路200號）
票價｜NT$100，另有 NOKE 會員、指定平日學生等免費入場資格
策展與設計｜毛灼然（Javin Mo）、後藤哲也（Tetsuya Goto）
共同主辦｜NOKE 忠泰樂生活、明日製作所
合作夥伴｜公益財團法人 DNP 文化振興財團
