這是在全球疫情爆發後海外巡迴展覽首站，也是塩田千春首次訪台，她的作品一向以呈現無形的回憶、焦慮、幻夢、寂靜而著稱，而她所探討的身分認同、界線、與存在等，亦觸動觀者深層的情感，令人為之著迷。
此次展覽以無數細線纏繞空間或物件的大型裝置為節點，讓觀者在她所織羅而出的維度中，展開一場身心靈的旅程。而在佈展上，包括北美館與藝術家團隊共超過30人，光是《不確定旅程》這件作品，就花了兩週架燈，之後才開始手工編織作品，直至最後一週由塩田千春確認細節後，才以近五週、超過一個月的時間完成佈展。
此次展覽以無數細線纏繞空間或物件的大型裝置為節點，讓觀者在她所織羅而出的維度中，展開一場身心靈的旅程。而在佈展上，包括北美館與藝術家團隊共超過30人，光是《不確定旅程》這件作品，就花了兩週架燈，之後才開始手工編織作品，直至最後一週由塩田千春確認細節後，才以近五週、超過一個月的時間完成佈展。
塩田千春作品，《去向何方？》，2017/2021，白毛線、鐵絲、繩子，尺寸依空間而定。一進門先看到的這一件，讓人分不清前行的方向，而這也是藝術家作品中經常在探討的題材。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
塩田千春：「我作品的主題，都是我不了解的事物」
在今天的專訪中塩田千春提到，「我所挑選的關鍵字都是我不了解的事，以及我一直在尋找答案的東西；比方說直到現在我都會一直在想人死後會去哪裡，我出生在這個世界上是帶著我的思想而來的嗎？我的肉體跟我的思想是一個什麼樣的組合呢？我從什麼時候開始變成我的？如果不是這對父母，我還會是現在的我嗎？一定要有我的想法跟肉體才會是我，那這樣的組合是從什麼時候開始形成的？我其實一直都在不斷思考這些問題，而這些一直找不到答案、我不知道的東西，就會變成我作品的主題。」
塩田千春1972年出生日本大阪，後以柏林為據點，2015年曾代表日本參加威尼斯雙年展，並以作品「手中的鑰匙」引發劇烈的觀展迴響。她的作品經常探究記憶、夢境、旅行等主題，而這次「塩田千春：顫動的靈魂」展覽，主要爬梳藝術家對於「缺席的存在」及「生與死」的兩大主題，從平面繪畫、以身體為載體創作，把空間當成畫布作畫，到錄像、雕塑、舞台設計。因為藝術是塩田千春的生命意義，她12歲就立志當藝術家。
因此，「當聽到癌症復發時，我第一次覺得死亡如此逼近，原來我的生命是有界線的，可能在不久後我會死亡，而這也影響了我對生死的看法。但與其說是恐懼，當我聽到這個診斷時，因為前一天剛答應森美術館的個展邀約，所以如果眼前有生或死，我想得更多的是我要怎麼活下去，要利用活著的時間把展覽好好做完。」這也造就她開始在創作中把身體跟感覺分開，讓過往在裝置作品中始終缺席的「身體」現身；比如此次展覽中也展出了以皮革表現外顯內臟，並將自身肢體翻模成雕塑的作品《外在化的身體》。
想知道這次展覽還有哪些必看亮點嗎？快跟著MOT TIMES的腳步一探究竟吧！
塩田千春作品，《靜默中》，2002/2021，燒焦鋼琴、燒焦椅、Alcantara黑線，尺寸依空間而定。這是藝術家9歲時，因鄰居家失火，大火把鋼琴燒焦後，丟在院子時她的記憶畫面，當時的鋼琴已發不出聲音，但如今她以線纏繞，藉此延伸出一股鋼琴內在的聲響。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
亮點1：4件大型裝置作品展現沉浸式空間體驗
展覽由一艘艘懸吊半空中、以白線細密纏繞的船列所組成的《去向何方？》（Where are we going?, 2017/2021）揭開序幕，導引觀者踏上探索的路途；《不確定的旅程》（Uncertain Journey, 2016/2021）則以滿佈300平方公尺空間、糾纏交織的紅線表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態，映照出藝術家內心世界。
而《靜默中》（In Silence, 2002/2021）來自於藝術家童年記憶中一場大火後棄置現場的焦黑鋼琴，千絲萬縷的黑線串起寂靜卻清晰的記憶與感受；《集聚──找尋目的地》（Accumulation—Searching for the Destination, 2014/2021），以紅線懸置空中、層疊遞進的大量行李箱，遙想人們懷抱著什麼生活想望而遠走他方？
而《靜默中》（In Silence, 2002/2021）來自於藝術家童年記憶中一場大火後棄置現場的焦黑鋼琴，千絲萬縷的黑線串起寂靜卻清晰的記憶與感受；《集聚──找尋目的地》（Accumulation—Searching for the Destination, 2014/2021），以紅線懸置空中、層疊遞進的大量行李箱，遙想人們懷抱著什麼生活想望而遠走他方？
塩田千春作品，《不確定的旅程》，2016/2021，金屬框、紅毛線，尺寸依空間而定。藝術家說，雖然她出生於大阪，但因祖父母住在高知，因此她小的時候會坐船回去，但船會搖晃，令人相當恐懼；另一方面她認為毛線材質有緊繃、糾結的特質，就像人際關係一樣，是她很喜歡使用的材質。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
亮點2：回溯早期作品一窺藝術家的創作脈絡
因此在澳洲大學作交換學生期間，她首次用身體投入行為表演創作《成為畫》（Becoming Painting, 1994），用畫布裹住身體並淋上紅色的瓷漆，自講究技巧的窠臼中獲得解放。而行為藝術/裝置作品《從DNA到DNA》（From DNA to DNA, 1994）則是她首度用線嘗試跳脫二維空間的創作，亦使她感到在創作上蛻變重生的轉捩點。
塩田千春最後一幅油畫作品《無題》。（Photo Credit：MOT TIMES、Photography by Chris Chen）
亮點3：身份認同、靈魂、生與死
當塩田前往德國學習後，她便進一步嘗試身體表演的多種表現形式，在行為藝術表演《嘗試．回家》（Try and Go Home, 1997）中，她赤身爬上斜坡面掘出的洞穴，滾落再爬上去，同時懷想遠方的故鄉，將無法回家的困境與自身不確定的存在，投射到作品中。而《浴室》（Bathroom, 1999）是她第一件採用錄像呈現的行為藝術作品，藉由浴缸中滿是污泥的身體，表達「即便清洗也無法抹去的皮膚記憶」。
2017年，當塩田著手準備森美術館「塩田千春：顫動的靈魂」時，得知癌症復發，對於生與死有了不同的體悟。在《外在化的身體》（Out of My Body, 2019/2021）中，藝術家以紅色網狀牛皮連結攤放於地的手腳青銅鑄模，藉此與身體對話，表達身心碎裂的束縛感。
而展覽最後的錄像作品《關於靈魂》（About the Soul, 2019）是因藝術家自己也育有十歲大的女兒，而在癌症復發後，她一方面擔心自己的女兒，但同時也好奇孩子們如何思考「靈魂」這件事。塩田詢問這些德國孩子們：「靈魂是什麼？靈魂在哪裡？是什麼顏色？動物是否有靈魂？人死後靈魂是否會消逝？」等問題，召喚我們思索存在的奧義。
有些孩子說「我不認為靈魂有顏色，人們看不見也感覺不到靈魂」，有的則說「我認為靈魂會重生且生生不息」，還有一個小女孩則相信，靈魂就像是「我們有時也會遺忘某些童年回憶，一旦回到那兒，記憶就會恢復，可以打開那道關上的門。」內容非常精彩，千萬不要錯過！
塩田千春作品《外在化的身體》，2019/2021，牛皮、青銅，尺寸依空間而定。塩田說這件作品是她在癌症復發後，有感於靈魂跟不上身體，因此以自己的手腳翻模，並以紅線連結所打造而成，因此這件作品也突顯了她最真實的內在情緒。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
塩田千春作品《關於靈魂》，2019，四頻高解析錄像裝置、彩色、有聲。這是藝術家在癌症復發後，因有感於女兒年僅十歲，萬一她不在，女兒該怎麼辦，因此開始進行了對一群德國十歲孩童關於靈魂的訪談。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
另外，除了視覺藝術創作，塩田亦跨界表演藝術，陸續為九部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計，展覽中有一間暗室，分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。對她來說，舞台空間與展示作品的美術館是截然不同的語境框架，她特別重視表演者與舞台上裝置彼此的積極關係，例如，2011年在布魯塞爾皇家鑄幣局劇院推出歌劇《松風》首演，她用黑網在舞台上築起一件跨距達14米，高度10米的巨型裝置，舞者們在網上或橫或縱地交錯攀爬。這類舞台設計作品匯聚了導演、表演者、編舞家的多重觀點，為其創作注入更多可能性。
塩田千春作品，《集聚—找尋目的地》，2014/2021，行李箱、馬達、紅繩，尺寸依空間而定。藝術家在柏林收集了400多個行李箱，部份會動，象徵著出門前躁動的情緒，而密密麻麻的線，則是將思念的人網進回憶裡。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
亮點2：回溯早期作品一窺藝術家的創作脈絡
一踏入展間，即可透過紀錄照片及影片，追溯她如何橫跨繪畫、行為與裝置藝術，看到塩田一路走來的創作歷程。從她5歲時所畫的作品《蝶倚向日葵》中，即使左上角的簽名反了，但圖像卻非常生動，為此塩田忍不住表示，「原來我在會寫字前就已經在畫畫了。」同時此區亦展示一幅她最後的油畫作品《無題》，這件作品是她藝術創作轉向的時刻，當她發現自己的畫總是有著前人風格，卻無法走出新路後，便決定不再畫畫，而開始探索行為藝術與裝置藝術。
中間這件作品為《在手中》，這是藝術家以當時9歲女兒的手翻模製成，手心裡懷抱的可能是思想，而其中的鑰匙則象徵著希望。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
這是藝術家5歲時所畫的作品《蝶倚向日葵》，下方則是她幼稚園時的照片。（Photo Credit：MOT TIMES、Photography by Chris Chen）
中間這件作品為《在手中》，這是藝術家以當時9歲女兒的手翻模製成，手心裡懷抱的可能是思想，而其中的鑰匙則象徵著希望。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
這是藝術家5歲時所畫的作品《蝶倚向日葵》，下方則是她幼稚園時的照片。（Photo Credit：MOT TIMES、Photography by Chris Chen）
因此在澳洲大學作交換學生期間，她首次用身體投入行為表演創作《成為畫》（Becoming Painting, 1994），用畫布裹住身體並淋上紅色的瓷漆，自講究技巧的窠臼中獲得解放。而行為藝術/裝置作品《從DNA到DNA》（From DNA to DNA, 1994）則是她首度用線嘗試跳脫二維空間的創作，亦使她感到在創作上蛻變重生的轉捩點。
塩田千春最後一幅油畫作品《無題》。（Photo Credit：MOT TIMES、Photography by Chris Chen）
從油畫創作，到《變成畫》的行為藝術，塩田徹底跨出了極大的藝術步伐。（Photo Credit：MOT TIMES、Photography by Chris Chen）
亮點3：身份認同、靈魂、生與死
當塩田前往德國學習後，她便進一步嘗試身體表演的多種表現形式，在行為藝術表演《嘗試．回家》（Try and Go Home, 1997）中，她赤身爬上斜坡面掘出的洞穴，滾落再爬上去，同時懷想遠方的故鄉，將無法回家的困境與自身不確定的存在，投射到作品中。而《浴室》（Bathroom, 1999）是她第一件採用錄像呈現的行為藝術作品，藉由浴缸中滿是污泥的身體，表達「即便清洗也無法抹去的皮膚記憶」。
特別是塩田的藝術實踐始終與其自身生命經驗緊密扣合，捕捉身體感知與心理狀態的隱微牽動，以其細膩感性的體察遊走於創作媒材的邊界。移居德國第三年，她以「皮膚」作為自我身分認同的象徵，而後在部分作品中她將衣物比擬為第二層皮膚，如本次展出的《時空的反射》（Reflection of Space and Time, 2018），便以密密麻麻的黑線將白色洋裝與其鏡中的反射重重包覆。
而《內與外》（Inside Outside, 2008/2021）則以建築工地拾得的廢棄窗戶堆疊出一道牆，反思柏林圍牆倒塌後城市中人事物的轉變，同時呼應她將牆、門窗視為第三層皮膚的隱喻。
塩田千春作品《時空的反射》，這件裝置裡確實有著兩件洋裝，但因為鏡像反射會讓人分不清真假，這也是藝術家想傳達的，眼見一定是真相嗎？（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
塩田千春作品《時空的反射》，這件裝置裡確實有著兩件洋裝，但因為鏡像反射會讓人分不清真假，這也是藝術家想傳達的，眼見一定是真相嗎？（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
塩田千春，《內與外》，2008/2021，舊木製窗，尺寸依空間而定。裡面是舊東德工地的照片，因這些照片帶給藝術家很多的想像，「究竟當時他們在東西德的家中，看著窗戶，到底在想些什麼呢？因此我撿了很多窗來作成這件作品。」（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
亮點4：癌症復發後，身體與靈魂間的分離感2017年，當塩田著手準備森美術館「塩田千春：顫動的靈魂」時，得知癌症復發，對於生與死有了不同的體悟。在《外在化的身體》（Out of My Body, 2019/2021）中，藝術家以紅色網狀牛皮連結攤放於地的手腳青銅鑄模，藉此與身體對話，表達身心碎裂的束縛感。
而展覽最後的錄像作品《關於靈魂》（About the Soul, 2019）是因藝術家自己也育有十歲大的女兒，而在癌症復發後，她一方面擔心自己的女兒，但同時也好奇孩子們如何思考「靈魂」這件事。塩田詢問這些德國孩子們：「靈魂是什麼？靈魂在哪裡？是什麼顏色？動物是否有靈魂？人死後靈魂是否會消逝？」等問題，召喚我們思索存在的奧義。
有些孩子說「我不認為靈魂有顏色，人們看不見也感覺不到靈魂」，有的則說「我認為靈魂會重生且生生不息」，還有一個小女孩則相信，靈魂就像是「我們有時也會遺忘某些童年回憶，一旦回到那兒，記憶就會恢復，可以打開那道關上的門。」內容非常精彩，千萬不要錯過！
塩田千春作品《外在化的身體》，2019/2021，牛皮、青銅，尺寸依空間而定。塩田說這件作品是她在癌症復發後，有感於靈魂跟不上身體，因此以自己的手腳翻模，並以紅線連結所打造而成，因此這件作品也突顯了她最真實的內在情緒。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
塩田千春作品《關於靈魂》，2019，四頻高解析錄像裝置、彩色、有聲。這是藝術家在癌症復發後，因有感於女兒年僅十歲，萬一她不在，女兒該怎麼辦，因此開始進行了對一群德國十歲孩童關於靈魂的訪談。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
另外，除了視覺藝術創作，塩田亦跨界表演藝術，陸續為九部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計，展覽中有一間暗室，分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。對她來說，舞台空間與展示作品的美術館是截然不同的語境框架，她特別重視表演者與舞台上裝置彼此的積極關係，例如，2011年在布魯塞爾皇家鑄幣局劇院推出歌劇《松風》首演，她用黑網在舞台上築起一件跨距達14米，高度10米的巨型裝置，舞者們在網上或橫或縱地交錯攀爬。這類舞台設計作品匯聚了導演、表演者、編舞家的多重觀點，為其創作注入更多可能性。
此展覽可說是塩田長期藝術生涯所探索命題「不在中的存在」（presence in absence）之縮影，她不斷使那些不具物理存在，卻在在引動生命的事物和能量無所遁形，展覽副標「顫動的靈魂」即直指藝術家所希冀傳達，這份難以言喻卻洶湧的感受。
塩田千春，《繫著微小記憶》，2019/2021，複合媒材，尺寸依空間而定。藝術家說自己平常就喜收藏小物件，而這些物件也有著她過去創作的象徵，比如鋼琴、椅子等，她再以紅線牽起，傳達整體的故事性。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
北美館館長王俊傑（左）與藝術家塩田千春。（Photo Credit：臺北市立美術館、Photography by 林冠名）
藝術家塩田千春簡介：
成長於大阪府岸和田市（Kishiwada），現居柏林。於京都精華大學（Kyoto Seika University）美術學院就學期間主修油畫，並於雕塑系擔任村岡三郎（Muraoka Saburo，1928-2013）的助手，期間以交換學生身分前往澳洲國立大學藝術學院（Australian National University School of Art）就讀時，開始創作裝置與行為藝術。受到波蘭纖維藝術家瑪格達蓮娜．阿巴卡諾維奇（Magdalena Abakanowicz，1930-2017）啟發，塩田在1996前往歐洲發展，並先後師從行為藝術先驅瑪莉娜．阿布拉莫維奇（Marina Abramovic，1946-），以及德國藝術家瑞貝卡．霍恩（Rebecca Horn，1944-）。此後，塩田活躍於各大美術館及畫廊，也參與許多國際展覽如雪梨雙年展（2016）、基輔雙年展（2012）和橫濱三年展（2001）等，更是2015年第56屆威尼斯雙年展日本館的代表藝術家，至今總共參與了三百場以上的展演活動。
目前擔任東京森美術館館長。2003至2020年擔任首席策展人期間，為森美術館策劃了多檔展覽，包括數名亞洲藝術家職涯中期回顧展，例如《艾未未：根據什麼？》（2009/美國巡迴展2012-13）、《李昢：我只屬於你的地方》（2012）、《会田誠：無事紀念碑》（2012）與《李明維與他的關係》（2014-15）。她曾擔綱倫敦海沃德畫廊國際策展人（2007-2009）、第九屆韓國光州雙年展共同策展人（2012年）、第21屆雪梨雙年展（2018）藝術總監，目前亦擔任愛知三年展（2022）藝術總監。
策展人片岡真實簡介：
目前擔任東京森美術館館長。2003至2020年擔任首席策展人期間，為森美術館策劃了多檔展覽，包括數名亞洲藝術家職涯中期回顧展，例如《艾未未：根據什麼？》（2009/美國巡迴展2012-13）、《李昢：我只屬於你的地方》（2012）、《会田誠：無事紀念碑》（2012）與《李明維與他的關係》（2014-15）。她曾擔綱倫敦海沃德畫廊國際策展人（2007-2009）、第九屆韓國光州雙年展共同策展人（2012年）、第21屆雪梨雙年展（2018）藝術總監，目前亦擔任愛知三年展（2022）藝術總監。
「塩田千春：顫動的靈魂」
日期：5／1—10／17
地點：臺北市立美術館1A、1B展覽室
編輯／Christine Chen、彭永翔Josh Peng
