凝視模糊地帶：陳威廷個展《一抹灰》以石版畫、詩集等創作探索存在輪廓

旅日藝術家陳威廷繼 2024 年於高雄市立美術館展覽《彼岸》後，近期於臺南市美術館一館帶來最新個展《一抹灰》，延續他以詩為創作起點的脈絡，卻不再以回望為主，而是專注於當下的感知，展開一場對生命、記憶與存在的追問。展覽涵蓋繪畫、石版畫與裝置等多元媒材形式，並同步推出睽違十年的同名詩畫集，進一步探索文字與圖像交錯的敘事可能。
 

展名所指的「灰」，是一種模糊卻深沈的隱喻：既是顏色，也象徵著位於明暗、確定與不確定之間的生命本質。陳威廷邀請觀者進入那迷濛的情感維度，在模糊之間感受生命的真實與重量。

 

 

相較於去年高雄市立美術館《彼岸》展覽中對十年創作歷程的回顧，《一抹灰》更為貼近藝術家眼下的狀態。陳威廷坦言，這次的展覽是一次心境的轉向：「如同展名一抹灰，雖然模糊但深刻的情感，生命的兩個分野是出生與死亡，而人活著，就是其中的灰。」這種「灰」的美學觀，呼應著當代社會中普遍存在的內耗與社交焦慮，藝術家選擇不迎合過於正向的思考模式，而是誠實地面對存在的複雜性，透過藝術創作探索「如何自處」這一當代重要課題。
 

展覽從一幅油畫〈Writing Person〉開場。這件2023年於英國完成的作品，標示著陳威廷以書寫為創作的原點。其後接續展示的新作〈Exit〉，則描繪一隻兔子牽引著熊前行，熊在推進的過程中依舊不斷地書寫，像是對創作無止境的渴求。另一件新作重要新作〈The Tale of a Stone〉，則以猴子為主角，靈感混合自自身與《西遊記》中從石頭誕生的孫悟空，不知是在上升還是下墜的漂浮姿態，承載著藝術家對存在邊界的探問、生與死之間的深層思考。
 

 

「我們不知道明天會通往哪裡。」陳威廷的畫作並非明確的敘事，而是一種曖昧的寓言：關於可愛與哀傷、誕生與消逝、創造與毀滅的同時並存；那些筆觸沒有訴說答案，觀者於凝視中停留，去觸碰模糊卻真切的情緒共鳴。

 

展場中散布著幾件軟雕裝置與雕塑作品，猴子、熊、兔子、低垂的花朵，這些在畫作中反覆出現的角色與符號低調地與繪畫對話。它們以柔軟的布料或堅硬的材質存在，但那看似童趣、可愛的外表下卻微妙地散發一股不安，宛如一則則大人版的殘酷童話寓言。正如陳威廷近年來持續思考的問題：「可愛的物件，除了可愛還有什麼被留下？」看似無害的造型背後，實際上藏有怪異或巨大的悲傷，這種反差是藝術家對「拉扯」概念的深層探索，反映著成年人內心那些無法直說的矛盾與掙扎。
 

 

 

本次展覽最受矚目的突破，是藝術家首次呈現的石版畫系列創作。陳威廷早在接觸大衛林區（David Lynch）、夏卡爾（Marc Chagall）作品時認識石版畫，埋下興趣的種子。直到近年，他才在東京藝術大學工房裡，在橫尾拓郎的協助下，正式展開石版畫的實驗。不同於其他版畫類型的製程，石版畫依賴直覺性的筆觸與細微層次的疊加，過程充滿等待、錯誤與修正，成為最貼近「一抹灰」核心情感的創作形式之一。

 

作為展覽中展示的第一幅石版畫，〈Exit〉是藝術家創作思索的轉折點。從多色彩的混合到畫紙的觸感，陳威廷嘗試讓作品帶有「翻書的懷舊感」，勾勒出一直以來透過創作所描繪的溫度；在無數次的嘗試、刪去與重新組合中尋找平衡，最後呈現的是一種流動、充滿可能性的未完成，呼應出他所探討的生命本質：沒有絕對，唯有在不斷調整之中，尋找暫時的安放。
 

 

透過此次個展，陳威廷也發表了睽違十年的詩畫集《一抹灰》。他將累積多年的手寫詩作重新整理、打字、編選與刪減，最終集結 30 多首詩作構成新書。詩與畫並不互為註解，而是各自低語，如同並行的兩條情感軸線，彼此呼應卻不重疊。書籍以幾張照片揭幕，一張既像黃昏又像日落的照片，以及彼岸花的影像，隱約呼應著此次展覽的核心主題；文字以「出口？入口？都是不重要的」為開頭，詩作內容則圍繞藝術家不同面向的情感與內在狀態，彷彿在向讀者訴說：生命並無標準答案，我們都將在那過程中尋找屬於自身的灰色片段。
 

 

 

除了展覽本身，《一抹灰》也藉由合作計畫，將藝術帶入日常生活場域。與臺南酒吧 Hērá 合作的石版畫〈Summer Night〉，靈感來自陳威廷首次造訪該空間的記憶：攀上階梯、抵達宛如山丘的場域，酒吧在他筆下成了夜的縮影，在此相聚的人們像是夜空中閃爍的星辰，悲喜之間交織閃亮。
 

 

另一件合作作品則與臺灣百年餅舖郭元益推出中秋限定禮盒封面，作品〈Moon〉以石版畫描繪一幅日月難辨、眾生奔走的宇宙景象，象徵節慶背後不斷循環的能量與歡騰。
 

 

《一抹灰》像是一首長詩，它並不追求敘事的完整，而是讓觀者在灰色中停下腳步，去感受等待、內耗與渴望，那些人們內心最真實的情感風景。正如那搖曳的草地藏著風吹過的意象，空椅子承載的回憶與思念，在一抹灰色中，我們似乎能看到某種真實的輪廓。

 

 

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