興起於1970年代的超寫實主義多見於繪畫和雕塑領域，可被視作為對於純主觀抽象藝術的反動。包括源自於紐約、以攝影為基礎的照相寫實主義繪畫，以及企圖精確複製人體的超寫實雕塑；前者較為注重客觀形象的捕捉，而後者則藉由貼近現實的擬像，為觀者建構出極其逼真的氛圍營造。超寫實雕塑因注重作品肌理細節，能讓觀者更直觀地感受到具有真實感的認知錯覺，因而更容易於將自我投射於作品場景之中。
曾代表德國參加2007年威尼斯雙年展的伊薩・根澤肯（Isa Genzken）作品《演員III之3》為一系列具有日常配件、服飾與電子音樂等次文化元素的假人雕塑，觀眾可把自己想像為其中一員，思索當代消費社會下的片段化身分認同。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
此次展覽透過超寫實雕塑的美學基調，讓每件作品宛如鏡像般，映射出人類自身的未來形貌。尤其策展人特別著眼於人類科技發展下，如機械義體、擴增實境、人工智慧、基因改造等數位演進與遺傳學工程，將人的身體與科技技術相互結合的「後人類」現象，藉由「混種人」、「後自然」、「藝術家4.0」、「科技 人類 變體」四大主題，不只陳述身體的解構與重構、人與環境及機器之間的關係，也探討當中隱含的欲望與倫理議題。
「混種人」展區。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
「後自然」展區。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
「科技 人類 變體」展區。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
「藝術家4.0」展區。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
策展人Maximilian Letze：「任何創作的背後沒有思考，只是單純的使用AI，我還是不會稱之為藝術」
長期以來僅存於藝術創作概念、想像中的樣貌型態，如今皆可在科學實驗中實現。在展覽中，由藝術家透過作品演繹而成的各種情境，也再持續提問，究竟人類該如何重新定義自身與他者？
甫獲第59屆威尼斯雙年展特別獎的林恩・何許曼・雷森（Lynn Hershman Leeson），也於臺灣首度呈現其獲提名之錄像作品《邏輯癱瘓人心》，由生化人女性輕聲闡述於數位調控的時代中，她在渴望如何更貼近人類與畏懼化為數據流的獨白中擺盪。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
至於AI繪圖的部份，Maximilian Letze則認為，「藝術的背後是有理念存在，這個想法是從一個人身上發想，但會跟其他人有所關聯才會創造出藝術品。AI做為強而有力的工具，它的功能越來越多，可以成為更好的畫筆或畫布，或是協助創意分類與儲存的途徑，但如果只是運用機器的能力去增加一些東西，就把它視為創意作品，我認為藝術作品與此仍有所區別。因為任何創作的背後沒有思考，沒有考慮過為什麼選擇這個主題，只是單純的使用AI，我還是不會稱之為藝術。」
北美館館長王俊傑亦強調，「我們是透過這些藝術家的作品，去理解人類對未來的回應與想像。藝術家像先知，他們提出的想法部份有點超現實，部份則已在進行中。因此這個展覽就是在探討到底科技介入人類後，會成為一個怎樣的世界，並透過藝術家作品的觀點，促使我們去思考且更加回歸我們自身與這個世界的關係。」
第9屆柏林雙年展的瑞典籍參展藝術家安娜・烏登伯格（Anna Uddenberg），將扭曲的女性雕塑與行李箱融為一體所創作的《野蠻人 #7（零重力）》，誇張變形的人物姿態，呼應著社群媒體上的網紅們對於「理想形象」的荒誕追求。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
策展人帶路！爬梳展覽四大主題10件亮點作品
此次展覽涉及的議題相當廣泛，且具實驗性，但主要仍聚焦藝術家是如何形塑世界與人體；尤其當我們談到人體，它是體驗外界的一個介面，不只是肉體，還包含心靈與靈魂。而在選件上，Maximilian Letze表示他將展覽劃分成兩大部份，一要能與觀眾有直覺式的互動，二則是要與展覽本身主題相互契合。
Maximilian Letze指出，「在『混種人』展區，主要探討科技進步與基因改造對人體有何影響，未來人體又會長成何種模樣？而『後自然』展區，則針對人類對自然所造成的改變與影響，比如工業革命、基因改造、氣候變遷，與地球上第六次物種大滅絕等議題進行爬梳。至於『科技 人類 變體』展區，因當代人類生活已與數位科技、社群媒體密不可分，也間接影響我們的精神、感知層面與社會結構，因此主要聚焦AI 對人類生活、工作、審美、環境所造成的改變。最後『藝術家4.0』則著眼科技發展下，電腦繪體、3D列印、AI皆成為藝術家創作的工具，它們又將對藝術創作產生何種影響。」
接下來就讓我們跟著策展人Maximilian Letze的腳步，一同欣賞此次展區內的10大亮點作品吧！
「後自然」展場照。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
萊納・瑪麗亞・馬蒂希克，《生物（系列雕塑選件展示）》，1997–2020，加框橡皮泥及各種材質、橡膠、聚氯乙烯，尺寸依場地而定。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
策展人Maximilian Letze在北美館現場親自導覽說明。(Photo Credit：Chris Chen)
01 「混種人」展區＼《幼苗》
此展區探究當今人體透過基因工程技術轉為可塑型態，甚至出現混種生命體的演化概念。來自澳洲的超寫實藝術家派翠西亞・佩奇尼尼（Patricia Piccinini），其作品向來以親密又古怪的特色著稱，此件作品《幼苗》，乍看是一名男子揹著貌似嬰孩的樹苗，似樹非樹、似人非人，更像是神話故事裡的混種生物，讓觀者既被深深吸引卻又同時備感厭惡。這也是藝術家想要傳達的目的，她希望能藉由這個過程讓大家去思考，到底什麼是異類，讓我們會加以疏遠。
此外，藝術家也希望藉由作品傳達，人類必須要對自身存在的世界以及大自然有所共感。因此樹苗也象徵一棵原先座落於澳洲生物棲息地，具有300年歷史的尤加利樹，因興建高速公路而被被迫砍伐，因此作品亦同時指涉人類為造就工業革命而犧牲大自然的議題。
（Photo Credit：Chris Chen）
02 「混種人」展區＼《犬頭》
來自澳洲的雕塑藝術家山姆・詹克斯（Sam Jinks）的作品《犬頭》談論的是人與自然的關係。這件作品富含兩層張力，一層是人體的姿勢是脆弱的，另一層則藉由埃及神話中狗頭人身、半神半人的形象，詮釋人類與動物的混合形貌。因藝術家想表達人類其實也是一種動物，在大自然中以為自己具有力量，但其實。
特別是當我們湊近觀察時，確實會被栩栩如生的皮膚質感所吸引。為達到寫實效果，藝術家以透明矽膠為材，再結合油畫技法一層層堆疊上膠，造就作品深度，同時，毛髮也必須ㄧ針針縫上，因此必須歷經長時間的耗時費力才能完成。
特別是當我們湊近觀察時，確實會被栩栩如生的皮膚質感所吸引。為達到寫實效果，藝術家以透明矽膠為材，再結合油畫技法一層層堆疊上膠，造就作品深度，同時，毛髮也必須ㄧ針針縫上，因此必須歷經長時間的耗時費力才能完成。
山姆・詹克斯，《犬頭》，2008，矽膠、人類毛髮、毛皮，30 × 140 × 60公分。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
03 「後自然」展區＼《預兆2019年5月9日10時15分》
這是由生於摩洛哥的法國藝術家伊山・貝哈達（Hicham Berrada），以十個小時的時間所拍攝而成的錄像作品。他透過一只水箱，緩慢滴入化水藥劑，讓化學自行產生微系統，並透過錄像記錄過程。這部錄像討論了兩個面向，一是藝術家的能動性，究竟在這件作品裡是倒下化學藥劑的藝術家是創作者，還是化學藥劑？除此之外，藝術家也透過作品強調大自然本身即具備重新整合、復原的能力。
（Photo Credit：Chris Chen）
04 「後自然」展區＼《古菌機器人：後奇異點與後氣候變化時代的生命形式》
此主題主要著眼於大自然如何在基因轉殖與人工科技中被交互挪用，亦傳達人類所帶給環境的破壞性變化及物種的極限。這件作品由跨領域藝術家安娜・杜米楚與艾力克斯・梅伊（Anna Dumitriu & Alex May）所創作的《古菌機器人：後奇異點與後氣候變化時代的生命形式》，在本次展覽中算是以相對正面的態度去進行探討。此外，透過 3D 列印仿作古生菌的微生物態樣，亦可反思若當今人為破壞導致生態系統崩塌後，尚有哪些生命形式得以生存。
（Photo Credit：Chris Chen）
05「科技 人類 變體」展區＼《神童》
此區主要反詰各種科技和數位轉型的發展交合之間、對於人類生活內在—外在、心理—生理層面的影響。由丹麥藝術家彼得・蘭德（Peter Land）所創作的《神童》，其原文為Wunderkind，此字源於德文，意指16歲以下具有超專業水準演奏樂器的小孩。因此作品透過站在紅毯上衣冠楚楚的孩童、以背對角落無路可逃，並帶有自我防禦的拉弓動作，不只象徵孩童無法承受壓力的精神狀況，藝術家亦藉此批判當代社會家庭施以小孩相對沉重的壓力。
（Photo Credit：Chris Chen）
06 「科技 人類 變體」展區＼《不用找錢了》
對應《神童》作品，一旁的《不用找錢了》（德州路邊餐廳服務生的手臂握著開瓶器）是由藝術家喬許・克萊恩（Josh Kline）所創作，也是策展人非常喜歡的作品之一。這件作品以3D列印製成，手臂內部還書寫了一段由員工對雇主所說的「Do not tell me how to do my job 」（不要告訴我要怎麼做我的工作），主要呈現餐廳服務生提供服務的概念，其中也暗指AI有可能會取代人類工作。
策展人特別指出，「就像大家知道DALL-E（通過文本描述生成圖像的人工智慧），只要輸入你喜愛的色調、商店性質，它就可以幫你設計店面，像這樣的工具威力難以想像，如果adobe買下整合後可能很多工作會被取代。因此《神童》跟《不用找錢了》都在談論當代給年輕人的壓力太大，但如果人類沒有成長，或許未來的工作也會被所AI取代。」
策展人特別指出，「就像大家知道DALL-E（通過文本描述生成圖像的人工智慧），只要輸入你喜愛的色調、商店性質，它就可以幫你設計店面，像這樣的工具威力難以想像，如果adobe買下整合後可能很多工作會被取代。因此《神童》跟《不用找錢了》都在談論當代給年輕人的壓力太大，但如果人類沒有成長，或許未來的工作也會被所AI取代。」
（Photo Credit：Chris Chen）
07 「科技 人類 變體」展區＼《葛拉姆》
派翠西亞・佩奇尼尼（Patricia Piccinini）與墨爾本醫院的創傷外科醫生共同創作的《葛拉姆》具有結構加大的頭骨結構、類似安全氣囊的軀幹、粗糙化的皮膚和去除頸部等特徵。藝術家主要呈現人類為承受車禍等致命衝擊所必需的進化，試圖以科技重塑我們存在的同時，卻也反映人體在無常中的脆弱程度。
派翠西亞・佩奇尼尼，《葛拉姆》，2016，矽膠、玻璃纖維、人類毛髮、衣服、水泥，140 × 120 × 170 公分。(Photo Credit：臺北市立美術館提供)
08「藝術家4.0」展區＼《無題》
在「藝術家4.0」談論未來的機器人是否得以擁有幻想、直覺等人類獨有的創造性特質，而我們又該如何與之共處與同理？這件來自藝術家安德羅・韋庫（Andro Wekua）的《無題》，在鋪著粉紅色地毯、整間油漆成粉色調的房間裡，懸掛著一位面無表情的半機器人女孩。她的頭部跟身體中間被厚重的玻璃隔開，懸空的腳部，彷彿沉浸在數位的世界裡，毫無意識，但卻又透過，一邊是機械手臂，另一邊手指頭則像反射性動作般，持續發出的輕微抖動感，帶來一種貌似人類的意象。但其實藝術家想要表達的是，當人類過度充斥在數位科技的世界，將讓我們喪失人類的感知能力。
安德羅・韋庫亞，《無題》，2014，假髮、矽膠、蠟、高分子石膏、聚胺酯泡棉、鋼材、玻璃、合成繩索、鋁材鑄件、布料、馬達、電子零件、機械裝置，212.1 × 101.6 × 68.6 cm。（Photo Credit：臺北市立美術館提供）
09 「藝術家4.0」展區＼《阿湯與阿門》
由格拉茲與昆茲（Glaser ／Kunz）共同創作的作品《阿湯與阿門》（Aton & Amen），特別將臉部影像投影在寫實雕塑上，藉此呈現表情與對話，其中Aton是埃及神話中半人半神的形象，Amen則與基督教有所關聯，兩人會持續進行哲學思辨的對話，但卻一直都找不到解答。
（Photo Credit：Chris Chen）
10「藝術家4.0」展區＼《體內（M1）》
此件由至聖（Santissimi）所創作的作品《體內（M1）》，反映出當代利用醫學研究低溫冷凍保存下來後，用於器官、組織移植的人體功用。當觀者用手沾水將霧抹除後，即可看清這件裝置作品的樣貌。這是電影裡常見的場景與情節，卻也讓我們反思如果有一天基因工程能研發複製人，那麼人類又該如何面對道德的界線。
至聖，《體內（M1）》，2013，矽膠雕塑、塑膠玻璃、各種材質，197 × 76 × 47公分。(Photo Credit：臺北市立美術館提供)
「未來身體：超自然雕塑」
展期：2023.02.18-2023.06.04
地點：臺北市立美術館 2A、2B展覽室
編輯／Christine Chen
