回到自然，也回到自己：台中《Touch Grass觸草》群展匯集浜名一憲等9位藝術家，在百年老屋中喚醒內在感知

「創作者如何用其溫柔的感性連結自然與人類。」——人類學與神話學家石倉敏明在《器物的足跡》中如此書寫，也成為台中《Touch Grass 觸草》群展的起點與精神核心。取自於 Z 世代的網路用語「Touch Grass」的展名，提醒人們放下手機、走出虛擬世界，實際「去摸摸草」；而在 1035 Collab 的歷史建築中，這句話則化作一種對內在真實的召喚：透過藝術的感知，重新感受身體、自然與情緒的流動。
 

 

此次群展由當代藝術企劃公司「樸湘 PU SHIANG 」策劃，創辦人 Sophie Wang 表示，策展靈感源自個人經驗：「在家中看著自己收藏的陶藝品，覺得這些物件讓空間變得有生命力，也能在煩躁的時候，帶我神遊到別處。」這份被藝術安放的感受，促使她展開策劃。閱讀《器物的足跡》、《美學的意義：關於美的十種理解與體驗》等書時，Sophie 也意識到藝術家們以自身感性創作，將自然元素融入生命中，那種誠實而溫柔的狀態，成為本展最初的靈感。
 

 

Sophie 集結了 Sam Bakewell、Kazunori Hamana、Naotaka Hiro、Richard Long、Nicole Ondre、Akane Saijo、王筱璦 Hsiao-Ai Wang、Masaomi Yasunaga 八位藝術家，並邀請花藝師廖浩哲 Haojhe Liao 參與，以自然為媒介，讓作品超越器物層次，成為人與自然之間的感性橋樑。

 

 

《Touch Grass 觸草》選址於台中「1035 Collab」登場，這棟建於 1910 年代的歷史老屋原為「吳眼科診所」，最早在日治時期名為「鈴木耳鼻咽喉科醫院」，名稱中的「1035」取自當年的電話番號。2022 年由 SYDRO 建築設計事務所修復後，空間結合精品咖啡廳、建築師事務所、藝廊與烘焙工作室，以嶄新樣貌重現，成為兼具歷史厚度與當代感的生活場域。
 

 

隨著不同品牌的進駐，「1035 Collab」不僅是一棟老屋的再生，更像是一座有機共生的聚落，讓歷史建築與創意實踐在日常中自然交織。此次群展由家具藝廊 GFG 協力佈置展場，選用 Pierre Jeanneret、Finn Juhl 等設計師的經典家具，讓空間與家具老件在材質與工藝之間展開對話。作品於其中不僅被觀看，更與時間與生活氣息共存，讓觀者在行走之間體會藝術融入日常的多重可能。
 

 

 

進入 1035 Collab 的木構展場，展覽的動線從「泥土」出發。一側牆面展出英國大地藝術先驅 Richard Long 以家鄉艾文河泥創作的泥土繪畫，他透過手的推抹與重複動作，留下自然流動的節奏。Richard 將步行與觸摸大地這種日常動作轉化為創作語言，詩意地探討人類和大自然間的關係，也成為此次展覽的精神起點。
 

 

牆下與展場角落陳列的數顆陶器，是由日本藝術家浜名一憲 Kazunori Hamana 創作的手工陶壺（ tsubo ）。兼具陶藝家、農夫與漁夫多重身份的 Kazunori，年輕時曾於東京擔任服裝設計師，返鄉回到千葉縣海邊村落，開始以自給自足的生活養成創作。其大陶壺作品在風吹日曬下自然風化，裂紋與粗糙表面成為歲月的痕跡，古樸而蘊含詩意的樣態巧妙地融入當代各類型的生活場景中。
 

 

延續「觸地」的意象，另一側牆面展示著英國藝術家 Sam Bakewell 的作品，他擅長以陶作為媒介，透過雙手與土的互動揭露潛意識。作品表面帶有皮革般的質感，與下方的皮革沙發互相呼應，立體且具有張力，彷彿要從畫面中跳躍而出。
 

 

沙發旁陳列的，則是 Masaomi Yasunaga 的作品。Masaomi 深受日本前衛陶藝團體「走泥社」（ Sodeisha ）影響，以考古出土物為靈感，打破陶藝傳統上的功能性思維，想做出一種像從土中被挖掘而出的樣態。他以釉劑為主要媒材，輔以長石、岩石、金屬與玻璃粉，埋入土中燒製後再以挖掘的方式構築形體，開創一種介於雕塑與器物之間的嶄新可能。
 

 

 

展場深處轉入更具張力的節奏，由兩位女性藝術家揭開新的篇章。加拿大藝術家 Nicole Ondre 以「結」為主題創作，將陶轉化為力量與連結的象徵，以柔軟泥土捏製的簡約結繩造型，經陶燒後轉為硬脆的形體，柔韌卻蘊含堅毅的力量。「這種概念性的反差讓單件作品即便放在大片牆面上，也能撐起整個空間的力量。」Sophie 認為女性創作看似柔軟，卻蘊藏深層張力。
 

 

京都藝術家 Akane Saijo 西條茜的作品則打開另一種感官體驗。她的陶器作品多具有有機形態，內部中空，表面有可吹奏的孔洞，結合吹息與聲音的表演模式，使作品「活」起來。這些結合地方傳說與個人記憶的形體，邀請觀者以身體參與，與作品共振。
 

 

展覽的尾聲，由 Naotaka Hiro 的作品收束。藝術家透過繪畫、雕塑與動作將身體痕跡留於作品，使創作成為意識與肉身的延伸。「他的作品有種原始的力量，是理性與感性交錯的狀態。」Sophie 認為，這份勞動性的存在感，也讓觀者在觀看過程中重新意識到自身的身體，進而感受到與自然的共生。
 

 

 

除了國際藝術家，展覽也邀請兩位台灣創作者參與。王筱璦 Hsiao-Ai Wang 以日常與自然為創作出發點，從河石、花朵到金屬線，結合手縫與金工技法，探討時間與內在感知間的微妙關係。她的作品靜謐而細膩，回應萬物於無常中循環的節奏，也提醒人們珍惜生活的片刻感受。
 

 

此次也首度攜手藝術家廖浩哲 Haojhe Liao，在展期三個月中依節氣更替花藝作品，讓空間隨時間變化，體現「草」的真實呼吸與季節流轉，同時也讓不同的植栽花藝與 Kazunori Hamana 的陶壺共同呈現多樣共生的面貌。

 

展覽最後引用設計師皆川明的話作結：「藉由接觸『東西』蘊含的情感，能喚醒使用者心中的情感。」《Touch Grass 觸草》試圖喚起的，正是從自然出發、通往內在的過程。在資訊過量與感官麻木的時代，這些藝術家以泥土、釉藥、金屬與植物為媒介，邀請我們暫時放下手中螢幕，去感受風的溫度、材料的觸感，回到自然，也回到我們自己。

 

Touch Grass 觸草